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SUMMARY:Noch bis Samstag\, 9. Dezember: Alexandra Hopf DIE FALTEN DER REVOLUTION
DESCRIPTION:Please find English version below \nZERO FOLD Albertusstraße 4\, 50667 Köln \nAlexandra Hopf\n»DIE FALTEN DER REVOLUTION – International Standard Coat 1917 – 2017« \nLaufzeit 21.10.2017 bis 09.12.2017\nÖffnungszeiten Do – Sa von 14 –18 Uhr und auf Anfrage\nwww.zerofold.de\nZur Ausstellung erscheint der ZERO FOLDER No. 2\,Grafische Gestaltung: Studio Carmen Strzelecki \nSeit Mitte Oktober 2017 bezieht ZERO FOLD wieder kontinuierlich Stellung im Projektbüro und Ausstellungsraum in der Albertusstraße 4 und freut sich\, den Raum mit der Ausstellung »Die Falten der Revolution – International Standard Coat 1917 – 2017« der Berliner Künstlerin Alexandra Hopf (*1968 in Kassel) zu eröffnen. \nIn der Ausstellung bei ZERO FOLD entwickelt Alexandra Hopf eine Werkgruppe aus ihrer Präsentation »Maison Tatlin« in der Galerie Scharmann & Laskowski aus 2015 weiter. Von der Decke des Galerieraumes hing damals eine Reihe grob geschneiderter Mäntel aus Leinwand\, gefertigt nach einem Originalschnittmuster von Vladimir Tatlin aus dem Jahr 1922. Diese Rohlinge eines Kleidungsstücks hat die Künstlerin nun anlässlich des 100. Jahrestages der Russischen Revolution als Auflagenobjekte zu tragbaren Mänteln entwickelt\, aus Leinen ge-schneidert\, hochwertig gefüttert und mit Kuhhornknöpfen versehen\, in den Größen von XS bis L. \nMit dieser Produktion greift sie ein zentrales Thema im Diskurs über die Rolle der Russischen Avantgarde in der Oktoberrevolution auf\, das auch in 2017 sowohl im Kunstkontext als auch in der allgemeingesellschaftlichen Diskussion hochaktuell ist: das Verhältnis zwischen politischer und künstlerischer Revolution\, beziehungsweise die Rolle und Relevanz von Kunst in gesellschaftlichen Veränderungsprozessen. \nDer russische Künstler Vladimir Tatlin (1885 – 1953) entwarf den Mantel im Unterschied zu seinen anderen konstruktivistischen Künstlerkollegen im Moskauer Institut für Künstlerische Kultur nicht als Arbeitskleidung\, sondern als Alltags- und Festtagsbekleidung zugleich. Tatlin betrachtete es als programmatische Aufgabe\, der Kleidung eine neue gesellschaftliche und kulturelle Funktion zuzuweisen und entwarf Typenkleidung in Serienproduktion\, Vorläufer des demokratischen Prêt-à-Porter. Das Tragen dieser Kleidung sollte in letzter Konsequenz den Träger zum »besseren« Menschen machen und auf dessen Bewusstsein zurückwirken. \nMit der Produktion der benutzbaren Kunstwerke reflektiert die Künstlerin also erneut den Begriff der »Avantgarde«\, den sie beständig in ihrem Werk behandelt: Heute stellt sich in Zeiten brisanter politischer Umwälzungen nicht weniger als vor 100 Jahren die Frage\, wie sehr sich die Grenzen zwischen Kunst und Alltag aufrechterhalten lassen\, und wo man sich als Künstler verortet zwischen einer idealistischen Auffassung von Kunst als bewusstseinsveränderndem Medium und ihrer Verteidigung als ästhetischen Gegenentwurf\, der letztendlich auch Rückzug vom Aktuellen bedeutet. \nWelchen Beitrag leistet Kunst auf ihre Art an der Gestaltung von Gesellschaft? Wenn man Kunst nicht als Produktion von Botschaften\, sondern von Dingen interpretiert\, kann die Kunstproduktion mit ihrer zunehmenden Tendenz zur Mimikry und Assimilation als subtile Einwirkung auf das Denken\, das ästhetische Empfinden und damit mittelbar auch das politische Handeln wirksam werden. Ihre Verschmelzung mit den Alltagsdingen hat aber gleichzeitig auch ihre Vereinnahmung im Sinne einer Ökonomisierung und Profanisierung zur Folge. \nDie Problematik der »Selbstaufhebung« künstlerischer Produktion im Oszillieren zwischen avantgardistischer Progression und konstituierendem Rückgriff war und ist auch jeder politischen Revolution immanent. \nNeben den Mänteln zeigt Alexandra Hopf neue Fotoarbeiten und auf Leinwand aufgezogene Papierarbeiten. \nZERO FOLD Albertusstraße 4 50667 Cologne \nAlexandra Hopf\n„THE FOLDS OF THE REVOLUTION – International Standard Coat 1917 – 2017“ \nDuration: 10.21.2017 until 12.09.2017\nOpening hours: Thu – Sat from 2 – 6 p.m. and by appointment\nwww.zerofold.de \nOn occasion of the show ZERO FOLDER No.2 will be published\, graphic design Studio Carmen Strzelecki \nSince the middle of October 2017\, ZERO FOLD will move to a new location at Albertusstraße 4\, and is pleased to present the exhibition „The Folds of the Revolution – International Standard Coat 1917 – 2017” by the Berlin based artist Alexandra Hopf (* 1968 in Kassel). \nFor the exhibition at ZERO FOLD Alexandra Hopf has developed a group of works dating from her 2015 presentation „Maison Tatlin“ at Galerie Scharmann & Laskowski\, from the ceiling of the gallery\, a series of coats made of coarse canvas and cut from a pattern by Vladimir Tatlin in 1922.\nOn the occasion of the 100th anniversary of the Russian Revolution\, the artist has developed this series of garments as an edition of wearable coats\, in this instance made of linen\, with a high-quality lining\, and fitted with cow horn buttons\, in sizes from XS to L. \nWith this production\, the artist takes up a central theme in the discourse on the role of the Russian avant-garde during the October Revolution\, which is also up-to-date in both the art context and the general social discussion in 2017: the relationship between political and artistic revolution\, or the role and relevance of art within social change processes.\nThe Russian artist Vladimir Tatlin (1885 – 1953)\, in contrast to his constructivist contemporaries at the Moscow Institute of Artistic Culture\, designed the coat not only as a garment of workwear\, but also as an item of daily and leisure clothing. Tatlin considered it a programmatic task to assign a new social and cultural function to clothing and to design clothes for serial production\, the forerunner of the democratic prêt-à-porter.\nWearing these clothes should ultimately make the wearer a „better“ human being thus having an impact on his awareness. \nBy way of producing usable works of art\, the artist again reflects the concept of the „avant-garde“\, which she continuously deals with in her work: Today\, in times of explosive political upheaval and less than 100 years ago\, the question arises as to how much the boundaries between art and everyday life can be maintained\, and where one finds oneself as an artist between an idealistic conception of art as a consciousness-altering medium and its defense as an aesthetic alternative concept\, which ultimately also means withdrawal from the present. \nIn which way does art contribute in shaping society?\nIf art is not interpreted as a production of messages but of objects\, this production with its increasing tendency toward mimicry and assimilation as a subtle influence on thinking\, can impact the esthetic sensitivity and thereby indirectly also political action. Their fusion with everyday objects is simultaneously resulting in their appropriation in the sense of economization and profanization. \nThe problem of the annulment of artistic production oscillating between avant-garde progression and constitutive recourse was and is also immanent in every political revolution. \nIn addition to the coats\, Alexandra Hopf presents new photographic and canvas-mounted works on paper. \nTranslation Uta Hoffmann
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LOCATION:ZERO FOLD\, Albertusstraße 4\, Köln\, 50667
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SUMMARY:Anja Schlamann: ErSieundIch
DESCRIPTION:Wir haben Gäste am 03. November 2017 \nAnja Schlamann\nERSIEUNDICH\n03/11 – 10/12/2017\n–\nEröffnung: Freitag\, 3. November 2017 ab 20 Uhr\nLive-Musik von Parcours: Sphärischer Indie Pop \nErSieundIch\nEin Bauer\, ein Ingenieur und ein Beamter – drei männliche Identitäten. In ihrer Serie „ErSieundIch“ zeigt Anja Schlamann klischeehaft konstruierte Ausschnitte aus dem Dasein eines Mannes\, der scheinbar drei verschiedene Leben lebt: das eines westfälischen Bauern\, das eines bürgerlich lebenden Beamten und das eines kosmopolitischen Ingenieurs.\nAnja Schlamann ist für „ErSieundIch in die Rolle ihres Bruders Lukas geschlüpft und hat ihn\, der vor 40 Jahren im Säuglingsalter gestorben ist\, wieder zum Leben erweckt. Die seit vier Dekaden bestehende Leerstelle wird in dieser selbstreflexiven Performance gefüllt und oszilliert zwischen Inszenierung und Wirklichkeit. \nParcours\nParcours verpacken Stimmungen in kleine Soundtracks. In ihren Songs suchen sie die Grautöne zwischen Sicherheit und Zweifel\, Nähe und Distanz\, Gehen und Bleiben. Und das gilt auch für den Sound der Band: Schimmernde\, offene Gitarrensounds\, weite Akkordflächen\, zweistimmiger Gesang\, mal satte\, mal sanfte Beats. Kurz gesagt: Sphärischer Indiepop. Gegründet wurde Parcours 2015 in Köln\, die Debüt-EP “Asteroids” gab‘s im Herbst 2016 mit dazugehöriger Tour durch Deutschland und die Niederlande.
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SUMMARY:IF THIS BE NOT I / Galerie Sandra Bürgel / Berlin
DESCRIPTION:IF THIS BE NOT I \nFelix Amerbacher\nKamilla Bischoff\nCorinne Chotycki\nNicolai Crestianinov\nAndreas Gloel\nBehrang Karimi\nSveta Mordovskaya\nPatrick Niemann\nMax C. Precht\nUlrike Schultze\nValerie Stahl von Stromberg \nPantaleonsMuehlengasse Köln \nEröffnung am Freitag\, 3. November\, 19-22 Uhr / Ausstellung 4. November – 9 Dezember 2017\nOpening Reception Friday\, November 3\, 7-10 p.m. / Exhibition Nov 4 – Dec 9 2017 \nGALERIE SANDRA BÜRGEL\nWILSNACKER STR. 60 D-10559 Berlin \nT +49 162 1676 999 info@galerie-buergel.de www.galerie-buergel.de\nÖffnungszeiten Di-Do 9-15 Uhr\, Fr & Sa 14-19 Uhr\nOpening Hours Tue-Thu 9am-3pm\, Fri & Sat 2-7pm \nPantaleonsMuehlengasse office@pantaleonsmuehlengasse.com T +49 157 795 790 31
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LOCATION:Galerie Sandra Bürgel\, Wilsnacker Str. 60\, Berlin\, 10559
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SUMMARY:Noch bis Samstag\, 9. Dezember: Wonkun Jun - Neue Bilder und Papierarbeiten
DESCRIPTION:Wonkun Jun ist der Farbe in all ihren Nuancen auf der Spur.\nDazu trägt er wässrige Acrylfarben in vielen Schichten auf die grundierte Leinwand auf und wieder ab. Die tropfenförmigen Farbverläufe an den Bildseiten verweisen auf diesen Vorgang. Sein Ziel ist eine den Naturfarben verwandte Farbigkeit\, die sich keiner reinen Farbe mehr zuordnen lässt. Die Konzentration während des oft mehrere Tage andauernden Malprozesses ist- wie er selber sagt – eine Methode\, seine Gefühle geklärt und gemäßigt in seine Malereien einfließen zu lassen. \nZum ersten Mal zeigt er in der Ausstellung auf diese weise bearbeitete Büttenpapiere.\nJe nach Lichteinfall scheint die Pinselführung verborgener Farbschichten auf. \nDie vielfarbigen Punktebilder sind seit Jahren charakteristisch für das Werk von Wonkun Jun. Farbige\, an den Rändern unscharfe Punkte sind nicht aufgetragene Farbflächen sondern verweisen auf freigelegte Farbschichten. Der Betrachter schaut in die Entstehung des Bildes. \nEbenfalls neue mehrteilige Papierarbeiten zeichnet Wonkun Jun mit Farbstiften. Zu sehen sind farbige Punkte auf hellem Blattgrund oder kreisrunde Leerstellen auf blattfüllend bezeichneten Papieren. Mehrere Blätter fügt der Künstler zu zum Teil großformatigen (130 x 150 cm) Arbeiten zusammen. \nWonkun Jun (geboren 1970 in Seoul) lebt und arbeitet in Düsseldorf und Seoul. Er studierte von 1990 bis 1996 Kunst in Seoul. Von 1999 bis 2003 studierte er an der Kunstakademie Düsseldorf bei Helmut Federle und schloss mit dem Meisterschüler ab. Seine Arbeiten werden regelmäßig in Deutschland\, der Schweiz und Süd-Korea ausgestellt.
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LOCATION:Galerie Werner Klein\, Volksgartenstr. 10\, Köln\, 50677
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SUMMARY:GIORGIO MORANDI
DESCRIPTION:Zwanzig Jahre nach der epochalen Präsentation GIORGIO MORANDI in den Räumen am Wallrafplatz (1996 – 1997)\, in deren Folge zahlreiche internationale Museen Werke Morandis für ihre Sammlungen ankauften\, zeigt die Galerie Karsten Greve in einer umfassend angelegten Schau von herausragender Qualität neben bedeutenden Gemälden auch Aquarelle\, Zeichnungen und Grafiken des weltberühmten italienischen Meisters\, die zumeist aus bekannten Privatsammlungen stammen. Berücksichtigt man den Umfang einer der letzten institutionellen Retrospektiven\, die 2000 am Kunstmuseum Winterthur stattfand\, erlangt die aktuelle Zusammenstellung von über fünfzig erstklassigen Werken\, darunter 38 Stillleben und 15 Landschaften\, museale Größe und bietet die wahrhaft seltene Gelegenheit eines profunden Einblicks in das vielschichtige Œuvre des Künstlers. \nFür Giorgio Morandi (1890 – 1964)\, der seine Heimatstadt Bologna selten verließ und mit Ausnahme einiger Aufenthalte in der Schweiz keine Auslandsreisen unternahm\, lag stets die unmittelbare Umgebung im Fokus der Aufmerksamkeit. Der intensive Blick des Beobachters Morandi erkennt die unerschöpfliche Vielfalt\, die den unspektakulären\, alltäglichen Dingen innewohnt und in der eingehenden Betrachtung erfahrbar wird. „Man kann die Welt bereisen\, ohne etwas zu sehen. Um etwas verstehen zu können\, ist es nicht erforderlich\, viele Dinge zu sehen\, aber sie genau zu betrachten.“ (Morandi) \nAusgangspunkt für Morandis gesamtes Schaffen sind gewöhnliche Gebrauchsgegenstände häuslicher Einrichtung wie Schalen\, Gefäße\, Flaschen\, Kannen\, Becher und Vasen\, die er in aufwändigen Arrangements in immer neue Beziehung zueinander setzt. Ausgehend von diesen realen Gegebenheiten – zu denen auch der Blick aus dem Fenster zählt – erstellt Morandi ein motivisches Grundrepertoire\, anhand dessen er seine Auseinandersetzung mit malerischen Elementen wie Form\, Farbe und Volumen bis an die Grenze der Abstraktion vorantreibt. \nIn zahlreichen verschiedenen Zusammenstellungen\, die er in einem minutiösen Auswahlverfahren vornimmt und vor einen monochromen\, neutralen Hintergrund positioniert\, erprobt er unermüdlich das Verhältnis der Dinge zueinander\, studiert akribisch die Einwirkung von Licht und Schatten\, sowie das Zusammenspiel der Umrisslinien\, Raumkoordinaten und Farbflächen in einem variablen Kompositionsgefüge. Die von Morandi wie auf einer Bühne sorgsam platzierten Gegenstände werden oftmals umgestellt\, ausgewechselt\, Abstände werden neu austariert\, Proportionen bemessen\, Hell- und Dunkeleffekte erzeugt. In dieser Inszenierung bewirken geringfügige Verschiebungen in der Anordnung ausschlaggebende bildnerische Veränderungen. Durch die Mannigfaltigkeit der sich ergebenden Varianten war für Morandi das „Aufeinandertreffen einer Kaffeekanne mit einer Vase auf einem Tisch bis zu seinem Tod 1964 ein ungelöstes und höchst aktuelles Problem“ (C. Spies). Morandi lotet zudem die Relation zwischen besetztem Raum und Zwischenraum aus\, lässt Konturen kontrastierend hervortreten\, so dass auch die Leerstellen im Bild gleichsam einen Umriss und damit eine konkrete Präsenz erhalten. Wie bei einem Vexierbild ergibt sich manchmal eine irritierende Gleichwertigkeit von positiven\, angefüllten und negativen\, ausgesparten Bereichen im Bildraum\, die existenzielle Unterscheidung von Anwesenheit und Abwesenheit wird hinfällig. Mit der Loslösung vom realen Entstehungskontext sind die dargestellten Sujets häufig ihrer spatialen und temporalen Verortung enthoben\, ihre stille\, statuarische Gegenwart erscheint archaisch\, zeitlos. \nMorandi vermochte es dadurch\, der Miniaturhaftigkeit seiner bescheidenen Modelle eine Monumentalität zu verleihen\, so dass die Gefäße in ihrer Geschlossenheit als Raumkörper gravitätisch wie Gebäude anmuten. Obwohl Morandi den Bezug zur Pittura Metafisica\, mit der er sich zwischen 1918 und 1919 auseinandersetzte\, dezidiert abgelehnt und sein künstlerisches Anliegen stattdessen in die Nähe der italienischen Meister des Trecento und Quattrocento gerückt hat\, bergen seine kompositorischen Gefüge in ihrer sorgfältigen Ausgewogenheit von besetzten und freien Bildbereichen mitunter Anklänge an die Staffage der bühnenhaften\, meist menschenleeren Plätze eines Giorgio de Chirico. \nMorandi strebt nicht nach einem naturgetreuen Abbild der an den Realraum gebundenen Wirklichkeit\, sondern befasst sich vielmehr mit der künstlerischen Gestaltung des Bildraumes\, mit dem Ausloten malerischer Möglichkeiten. „Das einzige Interesse\, das die sichtbare Welt in mir erregt“\, schrieb er einmal\, „betrifft den Raum\, das Licht\, die Farbe und die Formen“. Diese flüchtigen Phänomene ergeben eine veränderliche Wirklichkeit\, die schwer zu fassen ist. Eine solche Auffassung der Wirklichkeit\, die nicht gleichbleibend und konstant\, sondern im Wechsel der Stimmungen und Impressionen erfahrbar wird\, teilte Morandi mit Paul Cézanne\, der den individuellen Blick\, die subjektive künstlerische Wahrnehmung und die Künstlichkeit der ästhetischen Erfahrung über die reine Widergabe der Realität stellte. Während die Kubisten die Zerlegung der Form in ihre einzelnen Facetten vornahmen und die Futuristen die dynamische Auflösung der Form in dichten Sequenzen von Bewegungseinheiten suchten\, widmete sich Morandi der Form in ihrer wechselhaften Erscheinung. Er schuf konzentrierte\, auf das Wesentliche reduzierte Eindrücke\, „Impressionen“ dieser unbeständigen Wirklichkeit\, deren Elemente sich in seinem Spätwerk schließlich in der Abstraktion nahezu auflösen. \nDer aktuelle Katalog zur Ausstellung umfasst neben hochwertigen Abbildungen der Exponate auch zwei aufschlussreiche Textbeiträge von Prof. Dr. Christian Spies\, Kurator der Sammlung Lambrecht-Schadeberg am Museum für Gegenwartskunst\, Siegen\, und Neville Rowley\, Kurator frühitalienischer Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin. In seinem wissenschaftlich fundierten Textbeitrag „Der Anachronist als Zeitgenosse“ setzt Prof. Dr. Christian Spies\, Kurator der Sammlung Lambrecht-Schadeberg am Museum für Gegenwartskunst\, Siegen\, das Schaffen Morandis in einen engen Bezug zu den Meistern des Trecento und Quattrocento. Ergänzend legt Neville Rowley\, Kurator frühitalienischer Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin\, Morandis künstlerisches Selbstverständnis anhand einer besonderen Begebenheit offen.
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LOCATION:Galerie Karsten Greve\, Drususgasse 1-5\, Köln\, 50667
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SUMMARY:Wann ist genug genug? | Christoph Bucher (Düsseldorf)
DESCRIPTION:>> Vernissage: Samstag\, 4. November 2017\, ab 18h\nin Anwesenheit des Künstlers \n>> Finissage: Freitag\, 22. Dezember 2017\, ab 19h\nKünstlergespräch bei Glühwein und Keksen: Sibylle Feucht\, Künstlerin und ESSZIMMER-Betreiberin\, Bonn im Gespräch mit Christoph Bucher\, Düsseldorf \n>> Pressetext\n>> Einladungskarte \nChristoph Bucher (Düsseldorf) zeigt in seiner Einzelausstellung Wann ist genug genug? eine Auswahl von Arbeiten\, die in den letzten Jahren entstanden sind. \nDas klassische Tafelbild der Malerei\, in Form von unbehandelten Sperrholzplatten\, ist bei Christoph Bucher nicht nur Bildträger\, sondern mit seiner jeweiligen eigenen\, zufälligen Maserung ein wesentlicher Bestandteil sowohl des Arbeitsprozesses als auch des fertigen Bildes. – Die Maserung des Holzes wird\, teils mehr teils weniger\, Teil der sich mittels Wasserfarbe Schicht für Schicht entwickelnden Bildkomposition. – Verbindet sich mit ihr oder steht ihr im Wege. Dabei bildet das Finden und Entdecken\, nicht das Suchen oder Konstruieren den Kern von Christoph Buchers Arbeitsprozessen. \nZunächst nur in monochromatischen Grau-Schichtungen arbeitend\, wurde Christoph Bucher in den letzten\n2 Jahren farbiger. \nVerschachtelte teils kristallin\, teils hölzern wirkende absurde und unbekannte Räume entstehen aus den Farbschichtungen und Überlagerungen\, die vom Auge des Betrachters immer wieder neu erobert werden wollen und sich einem finalen Sehen oder Erkennen entziehen.
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LOCATION:DAS ESSZIMMER – Raum für Kunst+\, Mechenstrasse 25\, Bonn\, 53129
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SUMMARY:'VISITEZ MA TENTE' at Warhus Rittershaus Cologne
DESCRIPTION:Habima Fuchs\, Louise Lawler\,\nRade Petrasevic\, Gerda Scheepers\,\nMartin Weidemann\, Josef Zekoff \n‚VISITEZ MA TENTE‘ \nCurated by Inci Yilmaz \nOpening\nFriday\, November 10\, 2017\, 6-9pm \nExhibition\nNovember 11 – December 22\, 2017 \nWarhus Rittershaus\nAn der Schanz 1a\n50735 Cologne\nwww.warhusrittershaus.de \nSupported by Gaffel Kölsch \nAccording to the German dictionary\, the word „Fisimatenten“ signifies the colloquial „Sperenzchen“ (silly escapades). The dialect of the Rhineland\, when using „Fisimatenten“\, refers to a popular\, though refuted\, etymological anecdote: During the Franco-Prussian War in 1870-71\, officers reputedly issued invitations to romantic trysts in their simple stationary homes with the invitation „Visitez ma tente“ („Visit my tent“). \nThe tent\, as a very small and intimate unit of space\, creates an interior and exterior by means of a simple construction\, and establishes a spatial sociological situation\, which makes for a temporary „possession of space“ with ensured protection and scope for unobserved action. From a purely formal point of view\, a tent\, depending on its type\, is geometrically a pyramid. If one connects the anecdotal “Visitez ma tente” with an image of the most important pyramid in the world – the Cheops pyramid in Egypt – an effect emerges\, which is known from the advertising industry: the false connection between word and image suddenly appears to be possible. It awakens an illusionary spatial connection of the interiors inherent in this design\, and produces an imagination of physical presence. The pictorial attribution of the depiction of the pyramid’s outside\, as „my tent“ evokes a fantastic spatial experience that undermines the idea of an unspectacular\, cramped camping experience\, and feeds delusions of grandeur\, which are inherent in human beings. While the „tent experience“ is accessible to everyone\, the „pyramid experience“ is much more complicated. Nevertheless\, both spatial experiences are conceivable on the basis of the same geometrical character and our knowledge of material and construction. The form and the personal assignment allow the self to find itself in an outsized atmosphere\, even without an empirical basis. The mind’s power of imagination\, therefore\, quite naturally connects the most banal space with the miracle exalted above all rooms\, and appropriates the imagined interior without inhibition. \nThe exhibition VISITEZ MA TENTE focuses on the special relationship between the idea of a space\, the physical orientation within an interior and the ultimate personal occupation of the space\, and is devoted to the contemporary depiction of interior spaces and their sociological or atmospheric suggestion. \nDas Wort „Fisimatenten“ bedeutet laut Duden umgangssprachlich „Sperenzchen“. Die rheinländische Mundart beruft sich bei der Verwendung von Fisimatenten auf eine widerlegte volksetymologische Anekdote: Während des Deutsch-Französischen Krieges im Jahre 1870/1871 sollen Offiziere mit der Aufforderung „Visitez ma tente“ („Besuchen Sie mein Zelt“) Frauen zum romantischen Stelldichein in ihre einfache stationäre Wohnstätte gebeten haben. \nDas Zelt\, als sehr kleine intime Raumeinheit\, schafft mit einer simplen Konstruktion ein Innen und ein Außen und kreiert eine raumsoziologische Situation\, die einen temporären „Raumbesitz“ mit gewährleistetem Schutz und unbeobachtetem Handlungsfreiraum schafft. Rein formal betrachtet\, ist ein Zelt – je nach Typ – geometrisch als Pyramide zu bezeichnen. Verbindet man nun das anekdotische Visitez ma tente mit einer Abbildung der bedeutendsten Pyramide der Welt – der Cheops-Pyramide in Ägypten – entsteht ein Effekt\, der aus der Werbebranche bekannt ist: Der eigentlich falsche Zusammenhang von Wort und Bild\, erscheint durchaus möglich und weckt eine illusionäre räumliche Verknüpfung des zur Bauform gehörigen Interieurs und erzeugt eine Imagination von leiblicher Anwesenheit. Die bildliche Zuschreibung der von außen abgebildeten Pyramide als „mein Zelt“ ruft ein fantastisches Raumerleben hervor\, das den Gedanken an ein unspektakuläres beengendes Zelterlebnis untergräbt und den dem Menschen innewohnenden Größenwahn reichhaltig nährt. Während die „Zelterfahrung“ für jedermann zugänglich ist\, gestaltet sich die „Pyramidenerfahrung“ als weitaus komplizierter. Und trotzdem sind beide Raumerlebnisse aufgrund derselben geometrischen Beschaffenheit und dem Wissen um Material und Konstruktion gleichsam vorstellbar. Die Form und die personale Zuweisung gestatten dem Selbst auch ohne empirische Grundlage\, sich in einer überdimensionalen Atmosphäre wiederzufinden. Die Imaginationsfähigkeit des Geistes verknüpft also ganz selbstverständlich den banalsten Raum mit dem über alle Räume erhabenen Wunder und macht sich das vorgestellte Interieur ohne Hemmung zu eigen. \nDie Ausstellung VISITEZ MA TENTE greift thematisch die besondere Beziehung zwischen der Vorstellung eines Raums\, der leiblichen Orientierung in einem Interieur und der schlussendlichen personalen Raumbesetzung auf und widmet sich dem zeitgenössischen Abbilden von Innenräumen und ihrer soziologischen bzw. atmosphärischen Suggestion. \nText Inci Yilmaz
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SUMMARY:Affect Me Social Media Images in Art
DESCRIPTION:Im Zeitalter von Facebook\, Instagram\, Twitter und Co. hat sich der Umgang mit Bildern grundlegend verändert. Bilder\, welche in digitalen Netzwerken zirkulieren\, sind zum wichtigsten persönlichen Ausdrucksmittel einer breiten Öffentlichkeit geworden. Denn die interaktive Komponente des Web 2.0 schafft einen neuen dialogbasierten Raum\, in dem die Nutzer*innen annähernd in Echtzeit kommunizieren können. Insbesondere wenn Bilder als Vehikel der Kommunikation genutzt werden\, nimmt die Frequenz dieses Dialogs rasant an Fahrt auf. Denn Bilder mit ihrem hohen Affizierungspotenzial spielen geradezu virtuos auf der Klaviatur der Gefühle und lösen spontane Reaktionen bei ihren Adressaten aus. Ad hoc und mitunter aus dem Bauch heraus wird kommentiert\, was andere posten. Dazu gehören Banalitäten aus dem Leben der User genauso wie Bildbeweisstücke aus den globalen Krisenherden unserer Gegenwart. Die Bedeutung dieser Bilder entsteht durch das Handeln mit ihnen\, durch Interaktionsprozesse zwischen Bildern und Menschen\, die vor allem durch affektive Dynamiken gekennzeichnet sind. Die Bilder bewegen die User\, werden massenhaft ‚geliked‘ oder provozieren Proteste\, sind Anlass für Kritik und ungehemmte Pöbelei\, befördern öffentliche Debatten und wirken gemeinschaftsbildend. Sie werden vielfach aufgegriffen\, in neuen Kontexten gepostet oder publiziert\, mit Bildbearbeitungsprogrammen verändert oder mit neuen Aufnahmen nachgeahmt. \nBesonders im Hinblick auf zeitgenössische Formen des politischen Protests manifestiert sich das demokratische Versprechen der über die Sozialen Medien verbreiteten Bilder\, alternative Perspektiven auf die politischen Krisen der Gegenwart zu liefern. Die Zunahme von ideologischer Propaganda und gefälschten Informationen in den Sozialen Medien mögen diese als Kanäle der Wissensvermittlung aktuell in Verruf gebracht haben. In den weltumspannenden Protestbewegungen der letzten Jahre avancierte jedoch gerade das private\, mittels Handykamera aufgenommene und in den Netzwerken online verbreitete Foto zu dem vielleicht bedeutendsten Instrumentarium einer unabhängigen Meinungsbildung. \nHier setzt die Ausstellung Affect Me. Social Media Images in Art an. Sie stellt Arbeiten von neun internationalen künstlerischen Positionen vor\, die sich auf die neuen Bildphänomene der Sozialen Medien beziehen und explizit Bildmaterial aufgreifen\, das im Kontext von globalen politischen Auseinandersetzungen und zivilgesellschaftlichem Protest ins Netz gespeist wurde. Sie reflektieren in ihren Arbeiten die Gebrauchsweisen und die Semantik dieser Bilder\, setzen sich aber ebenso mit ihren ästhetischen Qualitäten auseinander. Mitunter lassen sie uns tief eintauchen in die Orte und Ereignisse unserer aktuellen Welt im Umbruch. Ein anderes Mal nehmen die Künstler*innen eine eher distanzierte Perspektive ein. Sie beleuchten das Vermögen der Bilder zu mobilisieren und zeigen auf\, wie diese Bilder Tatsachen schaffen und dabei an der porösen Grenze zwischen Realität und Fiktion agieren. \nEine Kooperation von KAI 10 | Arthena Foundation\, Düsseldorf und dem Sonderforschungsbereich 1171 Affective Societies\, Freie Universität\, Berlin.
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SUMMARY:THOMAS KEMPER - ARBEITEN AUF PAPIER
DESCRIPTION:Eröffnung am Sonntag\, den 12. November 2017\, 15 bis 17 Uhr \nDie collagen- oder montageähnlichen Arbeiten auf Papier von THOMAS KEMPER (*1957) zeigen plastisch und zerklüftet anmutende Konstruktionen mit lediglich annähernd geometrischem Grundriss. Im Innenleben greifen Zäsuren\, Synkopen\, Kontrapunkte oder Akkorde\, die auf lichte und schattige\, kühle und aufgeheizte Farbfelder sowie auf malerisch poetische Segmente Einfluss nehmen.\nIn diesen Arbeiten koppelt der Künstler zwei Prozesse: den malerischen Vorentwurf\, die geradezu bildhauerische Aktion des Zerschneidens und des Zusammenschweißens von Bausteinen\, die sich zu fiktiven Orten verdichten.\nChristina zu Mecklenburg (GA 2017)
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SUMMARY:Vorbild: Outsider
DESCRIPTION:Outsider-Künstler nehmen die Rolle von Vorbildern und Kunstlehrern ein. In diesem Fall sind es Menschen mit einer geistiger Behinderung\, darunter auch die Europäische Kunstpreisträgerin Silvia Fuchs oder der Outsider Markus Hellmann\, dessen Werke sich mittlerweile auch in der Kunstsammlung der Provinzial-Versicherung finden lässt. Diese\, der gesellschaftliche Realität nicht entsprechende Ausgangsposition\, ist die Grundlage einer spannenden Ausstellung\, die in Kooperation mit Krystyna Hatzke\, Studio 111 und dem einzigen erklärten Ort für Kunst und Teilhabe in Deutschland\, dem Gerresheimer Bahnhof\, entstanden ist. Liste aller beteiligten Künstler:\nWerner Böhle Markus Hellmann Silvia Fuchs Bettina Ohldag Carina Helmdach Krystyna Szczepanska-Hatzke\nIngeVervoots Burghard Schiefer Christel Werthschulte Gabriele Lindenau Anna Kaniewska Arzu Geyik Yildiz Öner. Eröffnung und Begrüßung: Carsten Reinhold Schulz und Krystyna Hatzke.
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LOCATION:Gerresheimer Bahnhof / Raum für Kunst und Teilhabe\, Heyestraße 194\, Düsseldorf\, 40625
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SUMMARY:Jonas Lund // Timm Ulrichs
DESCRIPTION:MÉLANGE invited by Projektraum im Kunstwerk invites you to the opening of: \nJonas Lund // Timm Ulrichs\n17 11 17\n7 pm
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SUMMARY:ERNST WILHELM NAY: BILDER DER 60ER JAHRE
DESCRIPTION:„Es ist ein Leben wert\, soweit vorzudringen\, das das reale Farbbild entstehen kann und die Farbe dabei so klingt\, dass ohne besondere Absicht des Künstlers Menschliches anschaubar wird\, Menschliches und Kreatürliches in neuer\, unbekannter Formulierung.“ (Ernst Wilhelm Nay\, Oktober 1967) \nDer Michael Werner Kunsthandel freut sich\, die in Kooperation mit der Ernst Wilhelm Nay Stiftung realisierte Ausstellung Ernst Wilhelm Nay – Bilder der 60er Jahre präsentieren zu können. Gezeigt werden dreizehn Leinwandarbeiten aus den Jahren 1964 bis 1967 – der letzten Schaffensphase des Künstlers – in welcher sich in seiner Malerei noch einmal ein spürbarer Stilwechsel vollzog. \nFlächige und ornamentale Figurationen\, die Vereinfachung der Formensprache und Verringerung der Farbpalette sind kennzeichnend für die Bilder Nays ab Mitte der sechziger Jahre. Rund 10 Jahre zuvor begann die Werkphase der Scheibenbilder\, die sich dann Anfang der 60er Jahre langsam zu Augen und Spindeln wandelten. Hieraus entstanden schließlich Ketten aus runden und ovalen Scheiben\, Farbbänder und Streifen\, die vertikal in das Unendliche zu laufen scheinen. Hier und da tauchen modifizierte Formen und Muster aus älteren Arbeiten Nays auf. Diese bildlichen Zitate bilden die „Basis seines Spätstils“. Insofern beziehen sich die Arbeiten gleichermaßen auf die Rückbesinnung als auch auf den Neuanfang innerhalb der eigenen Malerei. Die Werke dieser Zeit wirken „wie angehaltene Momente aus einem lebendigen Strom von Formen. In die sind menschliche Zeichen eingeschrieben\, als Miterlebende eines großen Zusammenhangs; dieser schließt Geschichte zwar ein\, geht aber gleichzeitig darüber hinaus – unaufhörlich.“ (Prof. Dr. Siegfried Gohr\, 2017). Rhythmisch setzt Nay in seinen Werken verschiedene organische Formen in kontrastreichen Farben gegeneinander\, welche an menschliche Bewegung erinnern. Auch wenn er häufig als rein abstrakter Maler wahrgenommen wird\, scheint der Körper ein wesentlicher Aspekt seines gesamten künstlerischen Schaffens. \nErnst Wilhelm Nay (*1902 in Berlin) zählt zu den wichtigsten Vertretern deutscher Kunst des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 1951 übersiedelte er nach Köln\, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1968 lebte und arbeitete. \nBegleitend erscheint ein Katalog mit einem Text von Prof. Dr. Siegfried Gohr.
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LOCATION:Michael Werner Kunsthandel\, Gertrudenstraße 24-28\, Köln\, 50667
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SUMMARY:BENJAMIN HOULIHAN\, Ausstellungseröffnung @ TYSON
DESCRIPTION:Wie verzerrte Quader ragen die Objekte Benjamin Houlihans schräg aus der Wand. Weder Form\, oszillierend zwischen Abstraktion und gegenständlicher Darstellung\, noch Farbe\, changierend zwischen Violett und Blau\, Grün und Gelb\, Pink und Gold\, lassen sich wirklich greifen. So abstrakt die Werke zunächst wirken\, so alltäglich ist die Beobachtung\, aus der sie hervorgehen. Sie bilden den Weg des Lichtstrahls plastisch nach\, der aus einem Fenster auf Fensterrahmen und -sims\, auf Wände\, Böden und Möbel fällt. Das Licht\, das die Physik als elektromagnetische Strahlung und damit als immateriell beschreibt\, wird in eine Materialität überführt und weitestgehend vom umgebenden Raum isoliert. Zugleich wird aus dem Strahl sein genaues Gegenteil\, nämlich ein Objekt\, das selbst Licht absorbiert und Schatten wirft. Mit plastischen Mitteln greift der Künstler ein lang tradiertes Bildthema auf\, das traditionell vor allem eine Domäne von Malerei und Fotografie ist. Auf der zweidimensionalen Bildfläche bietet es ein vielfältiges Terrain für das Spiel mit optischen Mehrdeutigkeiten. \nJulia Schleis
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LOCATION:TYSON\, Marsiliusstr. 55\, Köln\, 50939
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SUMMARY:Schwarm - Pascal Fendrich
DESCRIPTION:Schwarm \nEine Betrachtung über Masse und Individuum\, über Repetition und Versenkung und über das Verhältnis von Mensch und Tier. \nDer Künstler Pascal Fendrich zeigt in den Räumen von BRUCH & DALLAS eine Auswahl von Aquarellen aus der 99-teiligen Serie von Wellensittichportraits mit dem Titel „Schwarm“ \nWellensittiche waren ursprünglich nur in Australien beheimatet. Sie wurden Mitte des 19. Jahrhunderts von Englischen Seefahrern nach Europa gebracht. In freier Wildbahn leben die Vögel in großen Schwärmen\, und dürfen in Gefangenschaft nicht alleine gehalten werden. Während die Tiere in der Natur lediglich grünes Gefieder tragen\, kamen durch Züchtungen weitere Farben hinzu. Heute zählen Wellensittiche zu den am häufigsten gehaltenen Papageienarten weltweit. \nDie gezeigten Aquarelle in den Farben Gelb\, Grün und Blau sind allesamt Kopien des ersten Blattes. Sie sind innerhalb eines knappen Jahres entstanden und unterliegen der Eigen-dynamik des Mediums Aquarell sowie den natürlichen Wahrnehmungs- und Erinnerungs-schwankungen des Künstlers während der repetitiven Arbeit.\nAuf den ersten Blick scheinen alle Wellensittiche gleich auszusehen\, jedoch unterscheiden sie sich bei näherem Hinsehen in vielen Details und selbst auf den schönsten Blättern gibt es Stellen\, die auf anderen besser gelungen sind. \nZu der Ausstellung „Schwarm“ bei BRUCH & DALLAS zeigt Pascal Fendrich auch das neu entstandene Objekt „Chat“\, einen Vogelspiegel in Menschengröße.\nIn Zeiten\, in denen die Original-Objekte in Zoohandlungen nicht mehr erhältlich sind\, weil sie Verhaltensstörungen hervorrufen\, werden wir daran erinnert\, dass die Spiegel dazu dienten\, Wellensittiche einzeln im Käfig zu halten\, damit sie die menschliche Sprache lernen. \nAls Edition zur Ausstellung wird eine Collage in 18er Auflage entstehen\, die für 40€ erworben werden kann. \nPascal Fendrich\, geboren 1972\, studierte an der Kunsthochschule für Medien Köln bei Prof. Jürgen Klauke und Prof. Peter Zimmermann und als Gaststudent an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Georg Herold. Er lebt und arbeitet in Köln und Berlin. \nVon 2000 bis 2015 arbeitete er vorwiegend als Videokünstler. In den letzten beiden Jahren widmete er sich verstärkt der Malerei und Grafik und schuf einige Objekte.\nBei BRUCH & DALLAS zeigt er nun Werke aus dieser neuen Schaffensperiode. \nFendrichs Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen und Screenings gezeigt. Er war als Gastdozent an Hochschulen in Bangkok und in Kalifornien tätig. \nwww.pascalfendrich.com\nAusstellung: 25.11.2017 – 30.12.2017
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LOCATION:BRUCH & DALLAS\, Ebertplatzpassage\, Köln\, 50668
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SUMMARY:JUDITH MARIA KLEINTJES "lumière noire"
DESCRIPTION:In der schwebenden Präsenz körperhafter Fragmente gerät Einfaches unüberschaubar\, Heiteres düster\, Winziges monumental\, Zartes bedrohlich\, Leichtes schwer. Was auf der motivischen Ebene immer wieder als bildhafter Verweis auf Prozesse der Metamorphose aufscheint\, erweist sich im Kern als eine Suche nach Bildern für die Ambivalenz und Unbeständigkeit aller Erscheinungen\, Prinzipien\, Zustände. Wobei die Sensibilität und Feingliedrigkeit der Bildsprache von Judith M. Kleintjes ebenso wie ihr behutsamer Einsatz der Farbe ihre Arbeiten wie kostbare Konzentrate wirken lassen\, die nicht Gefahr laufen\, sich „im Chaos zu verlieren. In der Zusammenschau ergeben sie die Kartographie einer Suche – reduziert und präzise\, aber offen in einem poetischen Sinne. In den Arbeiten von Judith M. Kleintjes scheint etwas auf\, das alltägliche Normalität und Ordnungsmuster überschreitet. Sie vermitteln eine Ahnung von der Fragilität des vermeintlich Stabilen\, von der Verwundbarkeit mentaler und körperlicher Unversehrtheit\, von der Auflösung des Sichergeglaubten. Dies nicht als katastrophalen Ausnahmefall\, sondern als kreatürliche Bedingung zu begreifen.“ (Textfragment\, Dr. Gudrun Bott/FIH-Field Institute Hombroich\, Neuss)
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LOCATION:Galerie Carla Reul\, Dürenstraße 9\, Bonn- Bad Godesberg\, 53173
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SUMMARY:Wiebke Elzel – "SUNDAY\, JUNE 26 – SATURDAY\, JULY 2"
DESCRIPTION:Vom 1. Dezember 2017 bis 31. Januar 2018 zeigt GLASMOOG – Raum für Kunst & Diskurs an der Kunsthochschule für Medien Köln eine Einzelausstellung von Wiebke Elzel. Der Titel der Ausstellung „SUNDAY\, JUNE 26 – SATURDAY\, JULY 2“ verweist auf sieben Ausgaben der International New York Times\, die das Ausgangsmaterial für die neue mehrteilige fotografische Arbeit bilden\, die im Zentrum von Elzels Ausstellung steht.\nSeit 2013 arbeitet Elzel in ihren großformatigen Fotografien wiederholt mit Anordnungen von aus Zeitungsseiten ausgeschnittenen Buchstaben\, dabei entstehen in der Tradition der Collage stillebenartige Arrangements. Bestehende Textformationen werden in einem paradox-akribischen Akt bis zur Unlesbarkeit in Einzelbuchstaben und Wortfragmente zerlegt\, schließlich neu akkumuliert und zu einem scheinbar zufällig anmutenden Bild rekomponiert. In der für die Ausstellung in GLASMOOG neu entstandenen siebenteiligen Fotoserie „SUNDAY\, JUNE 26 – SATURDAY\, JULY 2“ betonen die Strahlen von einfallendem Sonnenlicht den flüchtigen Moment des fotografischen Augenblicks und verwandeln die abstrakt-grafischen Anhäufungen von Buchstaben in wandelbare Archipele\, deren textlichen Bezüge in der Betrachtung immer wieder neu entstehen.\nZum Abschluss der Ausstellung erscheint im Januar 2017 eine Künstlerpublikation mit Edition. \nWiebke Elzel\, die 2011 u.a. mit dem Kunstpreis der Arthur-Boskamp-Stiftung\, Hohenlockstedt\, ausgezeichnet wurde\, studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) in Leipzig. Seit 2012 lehrt Elzel als Künstlerisch-Wissenschaftliche Mitarbeiterin im Bereich Fotografie an der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM). 2017 erhielt sie ein Projektstipendium der Kunststiftung NRW. Zuletzt waren Arbeiten von ihr in der MEWO Kunsthalle Memmingen zu sehen. \nAusstellungseröffnung: Donnerstag\, 30. November 2017\, 19 Uhr\nFinissage und Künstlergespräch: Mittwoch\, 31. Januar 2018\, 19 Uhr\nÖffnungszeiten der Ausstellungen: Do/Fr 16–19 Uhr\, Sa 14–18 Uhr und n.V.
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LOCATION:GLASMOOG\, Filzengraben 2\, Köln\, 50676
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SUMMARY:PETER SAUERER / TRUDE FRIEDRICH Antoniusfeuer
DESCRIPTION:PETER SAUERER\nPeter Sauerers (*1958) unerschöpflicher Fundus ist die Weltgeschichte. Jede seiner ausgestellten Objektschachteln enthält ein spezifisches\, szenisch gebundenes Figurenensemble. Vom Künstler mit äußerster Präzision geschnitzt und farbig gefasst stehen die einzelnen Protagonisten auf schlanken Podesten\, wobei die präsentierten Figuren mitsamt ihrem Unterbau nicht länger als eine Zigarette sind. Auf die Außenseite des Pappdeckels ist die jeweilige Vorlage angebracht: ikonische Pressefotos\, Filmplakate\, Reproduktionen von Kunstwerken. Wie ein kompletter Satz Miniaturfiguren scheint Sauerers Ensemble zur spielerischen Nachstellung des abgebildeten Originalszenarios einzuladen. Der Spielzeugcharakter verführt zunächst zum leichten Genuss: Man ergeht sich belustigt in der intensiven Beobachtung der handwerklich raffinierten Details und erliegt dem Erstaunen den das extreme Kleinformat hervorruft. \nDiese unbeschwerte Hingabe ist verräterisch\, sobald die Verbindung zur Vorlage erkennbar wird. Denn die Akteure sind mitunter medial verbreiteten Darstellungen entnommen\, die im kollektiven Gedächtnis verankert sind und auf die bisweilen schonungslos brutale Gewalt des zugrundeliegenden Ereignisses verweisen. Der Figurensatz „Dallas“ vergegenwärtigt die Erschießung von John F. Kennedy und umfasst John F. Kennedy\, Jackie Kennedy\, den Mörder Lee Harvey Oswald (in weißen Unterhemd)\, sowie den ebenfalls bei dem Attentat ums Leben gekommenen Chauffeur. Ebenfalls im Programm: die Geiselnahme von Gladbeck mit dem Geiselnehmer Dieter Degowski und der 18-jährigen Geisel Silke Bischoff\, die während der abschließenden Polizeiaktion auf der Autobahn erschossen wurde\, sowie ausgelassene Begegnungen auf dem Bergdorf\, Hitlers Landhaus am Obersalzberg\, darunter die Begrüßung der kleinen Tochter von Eva Brauns bester Freundin Herta Schneider\, Uschi. Auch die „Geißelung Christi“ des italienischen Meisters Piero della Francesca ist hier vertreten. \nWährend durch die Bildvorlage der Bezug zum Ereignis gegeben ist\, wird dieser durch die von Sauerer nachgebildeten Protagonisten geradezu verschleiert. Wie eine Schauspielerriege\, die sich ihrer drastischen Rollen entledigt und vor den Bühnenvorhang tritt\, werden sie dem Publikum frontal zur Schau gestellt. Hier offenbart sich die Diskrepanz zwischen der Dramatik des Geschehens und der unbewegten Haltung der Beteiligten: Täter und Opfer nehmen die gleiche aufrechte und passive Haltung ein. Einzig die Ausstattung lässt auf die dargestellte Person und ihre Taten schließen. Beklemmend ist der gleichgeschaltete Ausdruck der Miniaturen\, und damit auch die unbeirrbar egalisierende Sorgfalt\, mit welcher Sauerer die Gestalten erschafft. Ob es sich um den Urheber der Verbrechen an der Menschlichkeit handelt oder um die Unschuld vom Lande: Beide sind mit der gleichen – man muss es so sagen – liebevollen Hingabe geschnitzt und bemalt. \nManchmal lenkt Sauerer den Blick auf eine Randfigur\, einen Nebenschauplatz oder einem Detail im Hintergrund. Dem berühmten gekreuzigten Jesus mit den grotesk gespreizten Fingern aus dem berühmten Retabel des Isenheimer Altars von Matthias Grünewald stellt Sauerer zwei Figürchen zur Seite\, deren Leiber mit roten Flecken übersäht sind. Damit wird auf eine Figur\, die auf dem unteren Seitenflügel des Altarbildes wiedergegeben ist und vom sog. Antoniusfeuer* befallen ist\, hingewiesen. Neben der Reproduktion seines berühmten Gemäldes „Das Eismeer“ steht der „Eismeermaler“ Caspar David Friedrich selbst\, erkennbar an seinem ausladenden Backenbart. Der Maler litt an einer depressiven Erkrankung und hatte einen Suizidversuch unternommen. Anekdotisch wird berichtet\, Friedrich habe sich einen Backenbart wachsen lassen\, um die Narbe am Hals zu kaschieren. \nNicht die exakte Wiedergabe der Vorlage ist Sauerers Anliegen\, sondern vielmehr durch einen Perspektivwechsel die Wahrnehmung zu schärfen. Während man angesichts der unaufhaltsamen medialen Bilderflut und dem undurchdringlichen Informationsdickicht längst abgestumpft ist\, vermögen die mit viel Feingefühl gefertigten Figuren aus Holz von Sauerer aufgrund ihrer altmodischen Anmutung einen besonderen Reiz auszuüben. Ohne großes Getöse fordern sie den Blick besonders heraus und erzielen einen nachhaltigen Eindruck. \nTRUDE FRIEDRICH\nDurch die zeitintensive Bearbeitung Bedeutung zu generieren vermag auch Trude Friedrich (*1955) in ihrem künstlerischen Schaffen. Gegenstand ihres Werkes sind alltägliche\, unscheinbare Vorkommnisse\, beiläufige Ansichten\, die Friedrich durch ihre Kunstfertigkeit aufwertet\, bzw. durch die minutiöse handwerkliche Tätigkeit beinahe symbolisch „auflädt“: Gräser\, Häuser\, Zäune. Man ist angehalten\, ihre sorgfältig gefertigten Werke länger zu betrachten. Faszinierend exakt und täuschend echt ist die naturgetreue Nachbildung in Holz\, etwa der einzelnen Grashalme in einer Vase („Grasschnitt“). Die langsam einsetzende Erkenntnis\, dass durch die Verschleifung von Schein und Sein\, Illusion und Identität\, ein „falscher Eindruck“ erzeugt wurde\, verunsichert. Auch liegende oder lose baumelnde Schnurstränge werden hölzern „versteift“ und wie Stöcke gegen die Wand gelehnt. Die sich aus dieser Vereinigung von Unvereinbarkeiten ergebende Erfahrung einer widernatürlichen bzw. unmöglichen Gegebenheit zeugt von einer Entfremdung bzw. „Verkehrung“ der Verhältnisse und mutet surreal an („Schnur vertikal“). \nTrude Friedrichs Kunst irritiert durch subtile Abwandlungen oder Verrückungen vorgefundener Realität und die dadurch bedingten leisen Verschiebungen der Grenzen zwischen Natürlichkeit und Künstlichkeit\, Fakt und Fantasie. Ihre Bildwelten enthalten Widersprüchliches\, und doch beanspruchen stocksteife Schnüre\, diamantenbesetzte Äste oder Schuppenhäuser eine eigene Wahrheit\, besitzen eine eigene Wesenhaftigkeit. In ihrer Serie „Schutzmarken“ fügt Friedrich zarte Lindenäste zu filigranen Gebilden zusammen\, deren Liniengerüste wie direkt auf die Wand aufgetragene Zeichenstriche Würfel\, Sterne und andere stilisierte Formationen ergeben. Oft sind die Äste mit facettierten\, zartfarbigen Edelsteinen gespickt\, die wie Knospen sprießen („Diamantenbündel“\, „Hexagon“\, „Gleiche Welt“\, „Diamantrahmen“). Während man ein Reisigbündel in der Wirklichkeit antrifft\, erscheint ein Diamantbündel als Produkt der Vorstellungskraft. Und doch nimmt dieser durch Friedrichs schöpferische Hand objektive Gestalt an und beansprucht seinen Platz in der Wirklichkeit. Von ähnlicher substanzieller Tragweite wie etwas\, das „in Stein gemeißelt“ eine Beständigkeit für sich beansprucht\, erscheinen die hier präsentierten in Holz geschnitzten Gegebenheiten als Ausdruck einer unverrückbaren Realität. Eine souveräne Selbstverständlichkeit geht von dieser Vereinigung von Unvereinbarem aus: So ist es ganz natürlich\, dass Diamanten auf Bäumen wachsen („Gleiche Welt“). \n* Durch den Verzehr von Mutterkorn (Getreidepilz) verursachte Vergiftung\, die auch als „heiliges Feuer“ bekannt und insbesondere im Mittelalter verbreitet war.
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DESCRIPTION:Wolfgang Lüttgens | Annette Wesseling \n2.12. – 10.12.2017 \nEröffnung: Freitag 1. Dezember 19-22 Uhr\nÖffnungszeiten: 2./3./9. und 10. Dezember 14-19 Uhr\nund nach Vereinbarung\nTe.: +49 176 47132283
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DESCRIPTION:Wolfgang Lüttgens | Annette Wesseling \n2.12. – 10.12.2017\nEröffnung Freitag 1. Dezember 19-22 Uhr \nÖffnungszeiten: 2./3./9. und 10. Dezember 14-19 Uhr\nund nach Vereinbarung\nTel.:+49 176 47132283
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SUMMARY:HARD RETURN Olivier Foulon
DESCRIPTION:Olivier Foulon (geboren 1976 in Brüssel\, lebt in Berlin) befasst sich mit der Beschaffenheit von fotografischen Bildern. Er montiert Ausdrucke der Bilder auf Karton\, eines neben dem anderen. So entsteht nicht durch eine persönliche Auswahl\, sondern aus der Vielzahl von Ausdrucken von Momenten des Ausdrucks eine Serie. Als Motive wählt er das\, was ihn umgibt: Äpfel\, kurz bevor er sie isst\, Reproduktionen von Antoine Watteaus „Ladenschild des Kunsthändlers Gersaint“ oder der Blick durch einen Strauß bunter Blumen auf die Zimmerdecke. Nicht das Motiv\, sondern der Moment interessiert. Die Blumen sind keine Sinnträger\, sondern Überbringer dieses Moments. Einige Künstler legen Wert auf Ambiguität oder Unklarheit und begründen ihre Arbeit damit\, dass Kunst schwer fassbar und unbestimmt sei. Dies ist nicht der Fall bei Foulon. Er zeigt das\, was ist; Dinge\, die wir erkennen und wissen. Er tut dies jedoch auf eine Art und Weise\, dass ihre Unmittelbarkeit sie unbequem\, ja unheimlich erscheinen lässt. Als wären sie nicht bei sich\, wir nicht bei uns\, sondern an einem Scheidepunkt zwischen Gut und Böse\, Tag und Nacht\, unten und oben\, Figur und Grund\, Bild und Träger usw. – im Sinne von A.D. Coleman: „I found myself disturbed and left uneasy by encounters with certain photographs – not because they were unpleasant on a purely sensory level\, but because between the style\, technique\, form\, subject matter\, content\, cultural context\, and the medium itself generated emotional and intellectual stress“ (The Grotesque in Photography\, 1977). Der Titel „Hard Return“\, den Foulon für seine Ausstellung wählt\, markiert diesen Bruch. Er kommt aus der Befehlssprache des Computers und bezeichnet einen harten Zeilenumbruch\, der auch dann bestehen bleibt\, wenn Text eingefügt oder gelöscht wird. Ein harter\, technischer Bruch\, der Form und Inhalt spaltet und eine Rückkehr zum Bestehenden erschwert. Foulon interessiert dieser Bruch nicht als Zäsur zwischen den Worten irgendeines Textes\, sondern zwischen eben jenen zwei Worten ‚hard’ und ‚return’ und deren Momenten der Auseinandersetzung mit dem Bildgegenstand: „There is a tension for me in the word ‚hard return’\, between its meaning for a native or non-native speaker. Between a change of an idea\, a scene or a cut in the flow\, and ‚hard’ as difficult and ‚return’ as in the line: the repressed always returns; ‚hard return’\, in the sense that there is a difficult come-back.“ (Olivier Foulon\, 2017)
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SUMMARY:HARD RETURN - Olivier Foulon
DESCRIPTION:02. Dezember 2017 – 04. März 2018 \nOlivier Foulon (geboren 1976 in Brüssel\, lebt in Berlin) befasst sich mit der Beschaffenheit von fotografischen Bildern. Er montiert Ausdrucke der Bilder auf Karton\, eines neben dem anderen. So entsteht nicht durch eine persönliche Auswahl\, sondern aus der Vielzahl von Ausdrucken von Momenten des Ausdrucks eine Serie. Als Motive wählt er das\, was ihn umgibt: äpfel\, kurz bevor er sie isst\, Reproduktionen von Antoine Watteaus ‘Ladenschild des Kunsthändlers Gersaint’ oder der Blick durch einen Strauß bunter Blumen auf die Zimmerdecke. Nicht das Motiv\, sondern der Moment interessiert. Die Blumen sind keine Sinnträger\, sondern überbringer dieses Moments. Einige Künstler legen Wert auf Ambiguität oder Unklarheit und begründen ihre Arbeit damit\, dass Kunst schwer fassbar und unbestimmt sei. Dies ist nicht der Fall bei Foulon. Er zeigt das\, was ist; Dinge\, die wir erkennen und wissen. Er tut dies jedoch auf eine Art und Weise\, dass ihre Unmittelbarkeit sie unbequem\, ja unheimlich erscheinen lässt. Als wären sie nicht bei sich\, wir nicht bei uns\, sondern an einem Scheidepunkt zwischen Gut und Böse\, Tag und Nacht\, unten und oben\, Figur und Grund\, Bild und Träger usw. – im Sinne von A.D. Coleman: „I found myself disturbed and left uneasy by encounters with certain photographs – not because they were unpleasant on a purely sensory level\, but because between the style\, technique\, form\, subject matter\, content\, cultural context\, and the medium itself generated emotional and intellectual stress.“ (The Grotesque in Photography\, 1977) Der Titel „Hard Return“\, den Foulon für seine Ausstellung wählt\, markiert diesen Bruch. Er kommt aus der Befehlssprache des Computers und bezeichnet einen harten Zeilenumbruch\, der auch dann bestehen bleibt\, wenn Text eingefügt oder gelöscht wird. Ein harter\, technischer Bruch\, der Form und Inhalt spaltet und eine Rückkehr zum Bestehenden erschwert. Foulon interessiert dieser Bruch nicht als Zäsur zwischen den Worten irgendeines Textes\, sondern zwischen eben jenen zwei Worten ‘hard’ und ‘return’ und deren Momenten der Auseinandersetzung mit dem Bildgegenstand: „There is a tension for me in the word ‘hard return’\, between its meaning for a native or non-native speaker. Between a change of an idea\, a scene or a cut in the flow\, and ‘hard’ as difficult and ‘return’ as in the line: the repressed always returns; ‘hard return’\, in the sense that there is a difficult come-back.“ (Olivier Foulon\, 2017). \nOlivier Foulon (born 1976 in Brussels\, lives in Berlin) occupies himself with the properties of photographic images. He mounts the prints of the images on cardboard\, one next to the other. This leads to a series\, formed not by personal selection but by the multitude of printouts of moments of an expression. He selects the motifs from the world around him: apples\, shortly before eating\, reproductions of ‘Gersaint’s Signboard’ by the Rococo painter Antoine Watteau\, or a bouquet of colourful flowers through which one catches a glimpse of the ceiling. However\, it is the moment that is of interest\, not the motif. The flowers are not carriers of meaning but messengers of this moment. While some artists place importance on ambiguity or vagueness\, explaining their work with the fact that art is elusive and indeterminate\, this is not the case with Foulon. He shows things as they are; things that we see and know. But he does this with an immediacy that makes them appear uneasy and even uncanny. As if they were entities not wholly with themselves\, us not wholly with ourselves\, but rather at the crossroads between good and evil\, day and night\, top and bottom\, figure and ground\, picture and support etc. – in the sense of A. D. Coleman: „I found myself disturbed and left uneasy by encounters with certain photographs?not because they were unpleasant on a purely sensory level\, but because between the style\, technique\, form\, subject matter\, content\, cultural context\, and the medium itself generated emotional and intellectual stress“ (The Grotesque in Photography\, 1977). The title „Hard Return“ selected by Foulon for his exhibition marks this break. It derives from the computer command designating a forced line break that even stays in place when one inserts and deletes text. A hard technical break dividing form and content making a return to the existing difficult. Foulon is not interested in this break as a caesura between the words of any text but precisely between the two words ‘hard’ and ‘return’ and their relation to his occupation with the pictorial object: „There is a tension for me in the term ‘hard return’\, between its meaning for a native or non-native speaker. Between a change of an idea\, a scene or a cut in the flow\, and ‘hard’ as difficult and ‘return’ as in the line: the repressed always returns; ‘hard return’\, in the sense that there is a difficult come-back“ (Olivier Foulon\, 2017). \nÖffnungszeiten / Opening times: \nDo-Fr 11-18 Uhr\, Sa-So 13-17 Uhr\nThu-Fri 11am-6 pm\, Sat-Sun 1-5 pm
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LOCATION:Temporary Gallery\, Mauritiuswall 35\, Köln
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SUMMARY:Chargesheimer Stipendium für Medienkunst 2017
DESCRIPTION:Das Chargesheimer-Stipendium für Medienkunst der Stadt Köln geht in diesem Jahr an die Künstlerin Şirin Şimşek. Die Beigeordnete Susanne Laugwitz-Aulbach übergibt den Förderpreis und eröffnet anschließend die mit der Auszeichnung verbundene Ausstellung „HÜZÜN“ in der artothek – Raum für junge Kunst. Die Laudatio hält Damian Zimmermann\, Fotograf\, Journalist und Mitglied der Jury.\nŞirin Şimşek ist in den Medien Fotografie\, Film und Video zu Hause. Sie beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit Themen und Situationen die alltäglich erscheinen\, aber durch den Fokus\, den sie bei ihrer Betrachtung setzt\, eine irritierende Verschiebung erfahren und den Betrachter mit Fragen zurück lässt.\nDas zentrale Werk der Ausstellung bildet der Film „Hüzün“\, der in der artothek uraufgeführt wird. „Hüzün“ wird in Wörterbüchern mit Trübsinn\, Traurigkeit\, Schwermut oder Melancholie übersetzt. Şirin Şimşek beschreibt das Gefühl so: „Das Hüzün\, das ich empfinde\, ist eine Heimat in der Ferne\, die nicht meine ist und von der ich mich immer mehr entfremde. Gleichzeitig will und kann ich sie nicht aufgeben. Ich frage mich in letzter Zeit immer häufiger\, ob und wie es möglich ist\, sich mit einem Land oder gar einer Nation zu identifizieren. In meinem Fall sind es sogar zwei Länder\, die sich um mein Gefühl der Zugehörigkeit streiten: Das Land\, in dem ich geboren und aufgewachsen bin\, und das Land\, in dem meine „Wurzeln“ zu finden sind.“\nFür die Dreharbeiten zum Film ist Şirin Şimşek in den Touristenort Side an der türkischen Riviera zwischen Alanya und Antalya gereist. Durch die aktuellen politischen Entwicklungen ist der Tourismus dort fast zum Erliegen gekommen\, die Ruhe der Nachsaison verstärkt die Tristesse\, die mit intuitiv gewählten Motiven filmisch eingefangen wurden. „Şirin Şimşeks Arbeiten sind nicht nur handwerklich sehr professionell und inhaltlich spannend\, sondern sie sind persönlich und zugleich politisch\, sachlich und zugleich poetisch.“\, heißt es unter anderem in der Jurybegründung.\nIn der artothek wird die Künstlerin eine eigene Rauminstallation zur Präsentation der Arbeit entwickeln.\nŞirin Şimşek (geb. 1983 in Köln) studierte an der Hochschule Düsseldorf Fotografie und anschließend Kunst an der Kölner Kunsthochschule für Medien bei den Professoren Phil Collins\, Johannes Wohnseifer und Dr. Konstantin Butz. 2015 verbrachte sie als Residenzstipendiatin längere Zeit in Island. Parallel zum eigenen künstlerischen Schaffen leitete sie zusammen mit der Künstlerin Melike Kara den Projektraum AGNES MAYBACH in Köln. An der Kunsthochschule für Medien hat sie in diesem Sommer ihr Postgraduiertenstudium mit Diplom abgeschlossen.
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SUMMARY:Şirin Şimşek - HÜZÜN
DESCRIPTION:Das Chargesheimer-Stipendium für Medienkunst der Stadt Köln geht in diesem Jahr an die Künstlerin Şirin Şimşek.\nŞirin Şimşek ist in den Medien Fotografie\, Film und Video zu Hause. Sie beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit Themen und Situationen die alltäglich erscheinen\, aber durch den Fokus\, den sie bei ihrer Betrachtung setzt\, eine irritierende Verschiebung erfahren und den Betrachter mit Fragen zurück lässt. \nDas zentrale Werk der Ausstellung bildet der Film „Hüzün“\, der in der artothek uraufgeführt wird. „Hüzün“ wird in Wörterbüchern mit Trübsinn\, Traurigkeit\, Schwermut oder Melancholie übersetzt. Şirin Şimşek beschreibt das Gefühl so: „Das Hüzün\, das ich empfinde\, ist eine Heimat in der Ferne\, die nicht meine ist und von der ich mich immer mehr entfremde. Gleichzeitig will und kann ich sie nicht aufgeben. Ich frage mich in letzter Zeit immer häufiger\, ob und wie es möglich ist\, sich mit einem Land oder gar einer Nation zu identifizieren. In meinem Fall sind es sogar zwei Länder\, die sich um mein Gefühl der Zugehörigkeit streiten: Das Land\, in dem ich geboren und aufgewachsen bin\, und das Land\, in dem meine „Wurzeln“ zu finden sind.“ \nFür die Dreharbeiten zum Film ist Şirin Şimşek in den Touristenort Side an der türkischen Riviera zwischen Alanya und Antalya gereist. Durch die aktuellen politischen Entwicklungen ist der Tourismus dort fast zum Erliegen gekommen\, die Ruhe der Nachsaison verstärkt die Tristesse\, die mit intuitiv gewählten Motiven filmisch eingefangen wurden. „Şirin Şimşeks Arbeiten sind nicht nur handwerklich sehr professionell und inhaltlich spannend\, sondern sie sind persönlich und zugleich politisch\, sachlich und zugleich poetisch.“\, heißt es unter anderem in der Jurybegründung.\nIn der artothek wird die Künstlerin eine eigene Rauminstallation zur Präsentation der Arbeit entwickeln. \nŞirin Şimşek (geb. 1983 in Köln) studierte an der Hochschule Düsseldorf Fotografie und anschließend Kunst an der Kölner Kunsthochschule für Medien bei den Professoren Phil Collins\, Johannes Wohnseifer und Dr. Konstantin Butz. 2015 verbrachte sie als Residenzstipendiatin längere Zeit in Island. Parallel zum eigenen künstlerischen Schaffen leitete sie zusammen mit der Künstlerin Melike Kara den Projektraum AGNES MAYBACH in Köln. An der Kunsthochschule für Medien hat sie in diesem Sommer ihr Postgraduiertenstudium mit Diplom abgeschlossen.
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